Categorías de forma artística. Elementos extra argumentales. Composición de una obra literaria Elementos básicos de composición

Composición (del latín compositio - composición, conexión) - la construcción de una obra de arte. La composición se puede organizar según la trama o sin ella. Una obra lírica también puede tener una trama, que se caracteriza por un evento épico (trama) y no trama (el poema "Gratitud" de Lermontov).

La composición de una obra literaria incluye:

Disposición de imágenes de personajes y agrupación de otras imágenes;

Composición de la trama;

Composición de elementos extra-trama;

Composición de detalles (detalles de la situación, comportamiento);

Composición del discurso (recursos estilísticos).

La composición de una obra depende de su contenido, tipo, género, etc.

GÉNERO (género francés - género, tipo) es un tipo de obra literaria, a saber:

1) un tipo de obra que existe realmente en la historia de la literatura nacional o de varias literaturas y se designa con uno u otro término tradicional (epopeya, novela, cuento, cuento en una epopeya; comedia, tragedia, etc. en la campo del drama; oda, elegía, balada, etc. - en letra);

2) un tipo “ideal” o un modelo construido lógicamente de una obra literaria específica, que puede considerarse como su invariante (este significado del término está presente en cualquier definición de una obra literaria en particular). Por tanto, las características de la estructura de la vivienda en un momento histórico determinado, es decir en el aspecto de la sincronía, debe combinarse con su iluminación en una perspectiva diacrónica. Ésta es precisamente, por ejemplo, la manera en que M. M. Bakhtin aborda el problema de la estructura de género de las novelas de Dostoievski. El punto de inflexión más importante en la historia de la literatura es el cambio entre los géneros canónicos, cuyas estructuras se remontan a determinadas imágenes "eternas", y los no canónicos, es decir, no en construcción.

ESTILO (del latín stilus, stylus - palo puntiagudo para escribir) es un sistema de elementos lingüísticos unidos por un propósito funcional específico, métodos de selección, uso, combinación y correlación mutua, una variedad funcional de lit. idioma.

La estructura compositiva y del habla del habla (es decir, la totalidad de elementos lingüísticos en su interacción y correlación mutua) está determinada por las tareas sociales de la comunicación del habla (comunicación del habla) en una de las principales esferas de la actividad humana.

S. - el concepto básico y fundamental de estilística funcional y lenguaje literario

Sistema moderno de estilo funcional. Rusia. iluminado. El lenguaje es multidimensional. Sus unidades de estilo funcional constituyentes (estilos, discurso de libro, discurso público, discurso coloquial, lenguaje de ficción) no son los mismos en su importancia en la comunicación oral y en su cobertura del material lingüístico. Junto con C., se distingue la esfera de estilo funcional. Este concepto se correlaciona con el concepto "C". y similar a él. Juntos

El discurso artístico es el discurso que realiza las funciones estéticas del lenguaje. El discurso literario se divide en prosaico y poético. Discurso artístico: - se forma en el arte popular oral; - le permite transferir características de un objeto a otro por similitud (metáfora) y contigüidad (metonimia); - forma y desarrolla la polisemia de una palabra; - confiere al habla una organización fonológica compleja

El mundo de una obra literaria es siempre un mundo condicional creado con la ayuda de la ficción, aunque su material "consciente" es la realidad. Una obra de arte siempre está conectada con la realidad y al mismo tiempo no es idéntica a ella.

V.G. Belinsky escribió: "El arte es una reproducción de la realidad, un mundo creado, como si fuera recién creado". Al crear el mundo de una obra, el escritor lo estructura, ubicándolo en un tiempo y espacio determinado. D.S. Likhachev señaló que “la transformación de la realidad está relacionada con la idea de la obra”60, y la tarea del investigador es ver esta transformación en el mundo objetivo. La vida es a la vez realidad material y vida del espíritu humano; lo que es, lo que fue y será, lo que es “posible en virtud de probabilidad o necesidad” (Aristóteles). Es imposible comprender la naturaleza del arte si no se plantea la pregunta filosófica de qué es: "el mundo entero", ¿es este un fenómeno holístico? ¿Cómo se puede recrear? Al fin y al cabo, la tarea última del artista, según I.-V. Goethe, “tomar posesión del mundo entero y encontrarle expresión”.

Una obra de arte representa una unidad interna de contenido y forma. Contenido y forma son conceptos indisolublemente ligados. Cuanto más complejo sea el contenido, más rica debería ser la forma. La variedad del contenido también puede juzgarse por la forma artística.

Las categorías “contenido” y “forma” se desarrollaron en la estética clásica alemana. Hegel argumentó que “el contenido del arte es el ideal, y su forma es la encarnación figurativa sensual”61. En la interpenetración de “ideal” e “imagen”

Hegel vio la especificidad creativa del arte. El patetismo principal de su enseñanza es la subordinación de todos los detalles de la imagen, y sobre todo los objetivos, a un determinado contenido espiritual. La integridad de la obra surge del concepto creativo. La unidad de una obra se entiende como la subordinación de todas sus partes y detalles a la idea: es interna, no externa.

La forma y el contenido de la literatura son “conceptos literarios fundamentales que generalizan ideas sobre los aspectos externos e internos de una obra literaria y se basan en las categorías filosóficas de forma y contenido”62. En realidad, la forma y el contenido no pueden separarse, porque la forma no es más que el contenido en su existencia directamente percibida, y el contenido no es más que el significado interno de la forma que se le da. En el proceso de análisis del contenido y forma de las obras literarias se identifican sus aspectos externos e internos, que se encuentran en unidad orgánica. El contenido y la forma son inherentes a cualquier fenómeno de la naturaleza y la sociedad: cada uno de ellos tiene elementos formales externos e internos significativos.

El contenido y la forma tienen una estructura compleja de varias etapas. Por ejemplo, la organización externa del habla (estilo, género, composición, métrica, ritmo, entonación, rima) actúa como una forma en relación con el significado artístico interno. A su vez, el significado del habla es una forma de trama, y ​​la trama es una forma que encarna personajes y circunstancias, y aparecen como una forma de manifestación de una idea artística, el profundo significado holístico de una obra. La forma es la carne viva del contenido.

Cualquier cambio de forma es al mismo tiempo un cambio de contenido, y viceversa. La demarcación está plagada del peligro de una división mecánica (entonces la forma es sólo una envoltura del contenido). Estudio de una obra como unidad orgánica de contenido y forma, comprensión de la forma como significativa, y

El par conceptual “contenido y forma” está firmemente establecido en la poética teórica. Aristóteles también distinguió en su “Poética” “qué” (el sujeto de la imagen) y “cómo” (los medios de la imagen). La forma y el contenido son categorías filosóficas. “La forma la llamo esencia del ser de cada cosa”, escribió Aristóteles63.

La ficción es un conjunto de obras literarias, cada una de las cuales es un todo independiente.

¿Cuál es la unidad de una obra literaria? La obra existe como un texto separado que tiene límites, como encerrado en un marco: un comienzo (normalmente el título) y un final. Una obra de arte tiene otro marco, ya que funciona como objeto estético, como “unidad” de ficción. La lectura de un texto genera en la mente del lector imágenes e ideas sobre los objetos en su integridad.

La obra está encerrada, por así decirlo, en un doble marco: como un mundo condicional creado por el autor, separado de la realidad primaria, y como un texto, delimitado de otros textos. No debemos olvidarnos del carácter lúdico del arte, porque en el mismo marco el escritor crea y el lector percibe la obra. Esta es la ontología de una obra de arte.

Hay otro enfoque de la unidad de una obra, el axiológico, en el que surgen preguntas sobre si fue posible coordinar las partes y el todo, motivar tal o cual detalle, porque cuanto más compleja es la composición de la obra. conjunto artístico (trama multilineal, sistema ramificado de personajes, cambio de tiempo y lugar de acción), más difícil es la tarea a la que se enfrenta el escritor64.

La unidad de una obra es uno de los problemas transversales de la historia del pensamiento estético. Incluso en la literatura antigua se desarrollaron requisitos para diversos géneros artísticos; la estética del clasicismo era normativa. Interesante (y lógica) es la superposición de los textos de los “poetistas” Horacio y Boileau, sobre la que L.V. Chernets.

Horacio aconsejó:

La fuerza y ​​la belleza del orden, creo, es que el escritor sabe exactamente qué se debe decir y dónde, y todo lo demás viene después, adónde va todo; para que el creador del poema sepa qué llevar, qué descartar, sólo que no sea generoso con las palabras, sino también tacaño y quisquilloso.

Boileau también afirmó la necesidad de una unidad integral de la obra:

El poeta debe colocar todo pensativamente,

Fusiona el principio y el final en un solo hilo y, subordinando las palabras a tu poder indiscutible, combina hábilmente las partes dispares65.

En la estética se desarrolló una profunda justificación de la unidad de una obra literaria. Una obra de arte es un análogo de la naturaleza para I. Kant, porque la integridad de los fenómenos se repite, por así decirlo, en la integridad de las imágenes artísticas: “El arte bello es el tipo de arte que al mismo tiempo se nos aparece como naturaleza”66. La justificación de la unidad de una obra literaria como criterio de su perfección estética se da en la “Estética” de Hegel, para quien lo bello en el arte es “superior” a lo bello en la naturaleza, ya que en el arte hay (¡no debería haber! ) detalles no relacionados con una serie de detalles, sino la esencia de la creatividad artística y consiste en el proceso de “purificar” los fenómenos de rasgos que no revelan su esencia, en la creación de una forma correspondiente al contenido67.

El criterio de unidad artística en el siglo XIX. unió a críticos de diferentes direcciones, pero en el movimiento del pensamiento estético hacia las "antiguas reglas de la estética", el requisito de la unidad artística, la coherencia del todo y las partes de una obra siguió siendo inevitable.

Un ejemplo de análisis filológico ejemplar de una obra de arte es "Una experiencia en el análisis de la forma" de B.A. Larina. El destacado filólogo llamó a su método "análisis espectral", cuyo objetivo es "revelar lo que está "dado" en el texto del escritor en toda su fluctuante profundidad". Pongamos como ejemplo los elementos de su análisis del cuento de M. Sholokhov "El destino de un hombre":

“Aquí, por ejemplo, de su recuerdo (de Andrei Sokolov) de su despedida en la estación el día de su partida al frente: Me separé de Irina. Tomé su rostro entre mis manos, la besé y sus labios eran como hielo.

Qué palabra tan significativa “se rompió” en esta situación y en este contexto: y “se rompió” de su abrazo convulsivo, conmocionado por la ansiedad mortal de su esposa; y “arrancado” de la propia familia, del propio hogar, como una hoja atrapada por el viento y arrancada de su rama, árbol, bosque; y se alejó corriendo, dominado, reprimido la ternura - lo atormentaba una herida lacerada...

“Tomé su rostro entre mis manos”: estas palabras contienen la áspera caricia de un héroe “con fuerza tonta” junto a su pequeña y frágil esposa, y la esquiva imagen de despedirse del difunto en un ataúd, generada por el último palabras: “...y sus labios son como hielo”.

Andrei Sokolov habla aún más sin pretensiones, como completamente torpe, simplemente sobre su catástrofe mental, sobre la conciencia del cautiverio:

Oh, hermano, no es fácil entender que no estás en cautiverio por tu propia voluntad. Quien no haya experimentado esto en su propia piel, no entrará inmediatamente en su alma para poder comprender de manera humana lo que esto significa.

"Comprender" - aquí no sólo "comprender lo que no estaba claro", sino también "asimilar hasta el final, sin sombra de duda", "confirmarse mediante la reflexión en algo que se necesita con urgencia para el equilibrio mental". Las siguientes palabras selectivamente groseras explican esta palabra de una manera físicamente tangible. Tacaño en palabras, Andrei Sokolov parece repetirse aquí, pero no se puede decir inmediatamente de una manera que “alcance humanamente” a cada uno de aquellos “que no han experimentado esto en su propia piel”.

Parece que este pasaje demuestra claramente la fecundidad del análisis de Larin. El científico, sin destruir todo el texto, utiliza de manera integral las técnicas de interpretación tanto lingüística como literaria, revelando la originalidad del tejido artístico de la obra, así como la idea "dada" en el texto de M. Sholokhov. El método Aarin se llama ling v o poetic h e s k i m.

En la crítica literaria moderna, en las obras de S. Averintsev, M. Andreev, M. Gasparov, G. Kosikov, A. Kurilov, A. Mikhailov, se ha presentado una visión de la historia de la literatura como un cambio en los tipos de conciencia artística. establecido: “mitopoético”, “tradicionalista”, “individualmente autoral”, gravitando hacia la experimentación creativa. Durante el período de predominio del tipo de conciencia artística del autor individual, se realiza una propiedad de la literatura como el dialogismo. Cada nueva interpretación de una obra (en diferentes momentos, por diferentes investigadores) es al mismo tiempo una nueva comprensión de su unidad artística. La ley de integridad presupone la integridad interna (integridad) del todo artístico. Esto significa el máximo orden de la forma de una obra en relación con su contenido como objeto estético.

Bakhtin argumentó que la forma artística no tiene significado sin su conexión inextricable con el contenido, y utilizó el concepto de "forma significativa". El contenido artístico está plasmado en toda la obra. yu.m. Lotman escribió: “La idea no está contenida en ninguna cita, ni siquiera bien elegida, sino que se expresa en toda la estructura artística. El investigador a veces no comprende esto y busca ideas en citas individuales; es como una persona que, al enterarse de que una casa tiene un plano, comenzaría a derribar los muros en busca del lugar donde está tapiado ese plano. El plan no está tapiado en las paredes, sino que se implementa en las proporciones del edificio. El plan es la idea del arquitecto y la estructura del edificio es su implementación.”68

Una obra literaria representa una imagen holística de la vida (en obras épicas y dramáticas) o alguna experiencia holística (en obras líricas). Cada obra de arte, según V.G. Belinsky, "este es un mundo holístico y autónomo". D.S. Merezhkovsky elogió mucho la novela Anna Karenina de Tolstoi, argumentando que “Anna Karenina, como un todo artístico completo, es la más perfecta de las obras de L. Tolstoi. En Guerra y paz quizás quiso más, pero no lo logró: y vimos que uno de los personajes principales, Napoleón, no tuvo ningún éxito. En Anna Karenina todo, o casi todo, fue exitoso; aquí, y sólo aquí, el genio artístico de L. Tolstoi alcanzó su punto más alto, hasta el completo autocontrol, hasta el equilibrio final entre concepto y ejecución. Si alguna vez ha sido más fuerte, entonces, en cualquier caso, nunca ha sido más perfecto, ni antes ni después”.69

La unidad integral de una obra de arte está determinada por la intención de un solo autor y aparece en toda la complejidad de los acontecimientos, personajes y pensamientos representados. Una verdadera obra de arte es un mundo artístico único con su propio contenido y una forma que expresa este contenido. La realidad artística objetivada en el texto es la forma.

La conexión inextricable entre el contenido y la forma artística es un criterio (griego antiguo kgkegyup - signo, indicador) del carácter artístico de una obra. Esta unidad está determinada por la integridad social y estética de una obra literaria.

Hegel escribió sobre la unidad de contenido y forma: “Una obra de arte que carece de una forma adecuada es precisamente la razón por la que no es genuina, es decir, una verdadera obra de arte, y para el artista como tal sirve como una pobre excusa si Dicen que por su contenido las obras son buenas (o incluso superiores), pero les falta forma propia. Sólo aquellas obras de arte en las que el contenido y la forma son idénticos son verdaderas obras de arte.”70

La única forma posible de encarnación del contenido de la vida es la palabra, y cualquier palabra resulta artísticamente significativa cuando comienza a transmitir información subtextual no solo fáctica, sino también conceptual. Estos tres tipos de información se complican con la información estética71.

El concepto de forma artística no debe identificarse con el concepto de técnica de escritura. “¿Qué es terminar un poema lírico,<...>¿Para llevar la forma a su posible elegancia? Probablemente esto no sea más que completar y llevar a la gracia posible en la naturaleza humana el propio sentimiento, tal o cual... Trabajar en un poema para un poeta es lo mismo que trabajar en el alma”, escribió Ya.I. Polonski. En una obra de arte se puede rastrear una oposición: organización (“hecha”) y orgánica (“nacido”). Recordemos el artículo de V. Mayakovsky "¿Cómo hacer poesía?" y las líneas de A. Akhmatova “Si supieras de qué basura crece la poesía…”.

En una de las cartas de F.M. Dostoievski transmite las palabras de V.G. Belinsky sobre la importancia de la forma en el arte: “Ustedes, artistas, con un rasgo, a la vez, en una imagen, exponen la esencia misma, para que puedan sentirla con la mano, para que todo de repente se vuelva claro para los más irracionales. ¡lector! Éste es el secreto del arte, ésta es la verdad en el arte”.

El contenido se expresa a través de todos los aspectos de la forma (sistema de imágenes, trama, lenguaje). Así, el contenido de la obra aparece principalmente en las relaciones de los personajes (personajes)^ que se revelan en los acontecimientos (trama). No es fácil lograr una unidad completa de contenido y forma. A.P. escribió sobre la dificultad de esto. Chéjov: “Es necesario escribir una historia durante 5 o 6 días y pensar en ella todo el tiempo que se escribe... Es necesario que cada frase permanezca en el cerebro durante dos días y se vuelva aceitosa... Los manuscritos de todos los verdaderos maestros son sucios,

teoría interradra

tachados a lo largo y a lo ancho, desgastados y cubiertos de parches, que a su vez estaban tachados...”

En la teoría literaria, el problema del contenido y la forma se considera en dos aspectos: en el aspecto del reflejo de la realidad objetiva, cuando la vida actúa como contenido (sujeto) y la imagen artística como forma (forma de cognición). Gracias a esto, podemos descubrir el lugar y el papel de la ficción en otras formas ideológicas: política, religiones, mitología, etc.

El problema del contenido y la forma también puede considerarse en términos de clarificar las leyes internas de la literatura, porque la imagen que se ha desarrollado en la mente del autor representa el contenido de una obra literaria. Aquí estamos hablando de la estructura interna de una imagen artística o sistema de imágenes de una obra literaria. Una imagen artística puede considerarse no como una forma de reflexión, sino como la unidad de su contenido y su forma, como una unidad específica de contenido y forma. No hay contenido alguno, sólo hay contenido formalizado, es decir, contenido que tiene una forma determinada. El contenido es la esencia de algo (alguien). La forma es una estructura, una organización del contenido, y no es algo externo al contenido, sino interno a él. La forma es la energía de la esencia o la expresión de la esencia. El arte en sí es una forma de conocimiento de la realidad. Hegel escribió en Lógica: “La forma es contenido, y en su definición desarrollada es la ley de los fenómenos”. La fórmula filosófica de Hegel: "El contenido no es más que la transición de la forma, y ​​la forma no es otra cosa que la transición del contenido a la forma". Nos advierte contra una comprensión cruda y simplificada de la compleja, conmovedora y dialéctica unidad de las categorías de forma y contenido en general, y en el campo del arte en particular. Es importante comprender que la frontera entre contenido y forma no es un concepto espacial, sino lógico. La relación entre contenido y forma no es la relación entre el todo y la parte, el núcleo y la cáscara, lo interno y lo externo, la cantidad y la calidad, es una relación de opuestos que se transforman unos en otros. L.S. Vygotsky, en su libro "Psicología del arte", analiza la composición del cuento "Respiración fácil" de I. Bunin e identifica su "ley psicológica básica": "El escritor, seleccionando sólo las características de los eventos que son necesarias para él, fuertemente procesa... material de vida” y traduce la “historia sobre la escoria cotidiana” en “una historia sobre la respiración tranquila”. Señala: “El verdadero tema de la historia no es la historia de la vida confusa de una colegiala de provincias, sino un ligero aliento, un sentimiento de liberación y ligereza, reflejado en la perfecta transparencia de la vida, que no se puede sacar de la realidad. los acontecimientos mismos”, que están conectados de tal manera que pierden su carga cotidiana; "Complejos cambios temporales transforman la historia de la vida de una niña frívola en el ligero soplo de la historia de Bunin". Formuló la ley de destrucción mediante la forma del contenido, que se puede ilustrar: el primer episodio, que habla de la muerte de Olya Meshcherskaya, alivia la tensión que el lector experimentaría al enterarse del asesinato de la niña, como un Como resultado de lo cual el clímax dejó de serlo, el color emocional del episodio se extinguió. Estaba “perdida” entre la tranquila descripción del andén, la multitud y el oficial que llegaba, “perdida” y la palabra más importante “disparo”: la estructura misma de esta frase amortigua el disparo1.

La distinción entre contenido y forma es necesaria en la etapa inicial de estudio de las obras, en la etapa de análisis.

Análisis (análisis griego - descomposición, desmembramiento) crítica literaria - el estudio de partes y elementos de una obra, así como las conexiones entre ellos.

Existen muchos métodos para analizar una obra. El análisis más fundamentado teóricamente y universal parece ser el que se basa en la categoría de “forma significativa” y en la identificación de la funcionalidad de la forma en relación con el contenido.

Los resultados del análisis se utilizan para construir una síntesis, es decir, la comprensión más completa y correcta tanto del contenido como de la originalidad artística formal y de su unidad. La síntesis literaria en el campo del contenido se describe con el término "interpretación", en el campo de la forma, con el término "estilo". Su interacción permite comprender la obra como un fenómeno estético72.

Cada elemento del formulario tiene su propio "significado" específico. Formane es algo independiente; la forma es, en esencia, contenido. Al percibir la forma, comprendemos el contenido. A. Bushmin escribió sobre la dificultad del análisis científico de una imagen artística en la unidad de contenido y forma: “Y todavía no queda otra salida que dedicarse al análisis, “escindiendo” la unidad en nombre de su síntesis posterior”. 73.

Al analizar una obra de arte, es necesario no ignorar ambas categorías, sino captar su transición entre sí, entender el contenido y la forma como una interacción en movimiento de opuestos, a veces divergiendo, a veces acercándose, hasta llegar a la identidad.

Conviene recordar el poema de Sasha Cherny sobre la unidad de contenido y forma:

Algunos gritan: “¿Qué forma? ¡Disparates!

Cuándo verter lechada en cristal -

¿El cristal se volverá inmensamente más bajo?

Otros objetan: “¡Tontos!

Y el mejor vino en el barco nocturno.

La gente decente no bebe”.

No pueden resolver la disputa... ¡lo cual es una pena!

Después de todo, puedes verter vino en cristal.

El ideal del análisis literario siempre seguirá siendo el estudio de una obra de arte que capture mejor la naturaleza de la unidad ideológica y figurativa interpenetrada.

La forma en poesía (a diferencia de la forma en prosa) es desnuda, dirigida a los sentidos físicos del lector (oyente) y considera una serie de “conflictos” que forman la forma poética, que pueden ser: -

léxico-semántico: 1) una palabra en el habla - una palabra en verso; 2) una palabra en una oración - una palabra en un verso (una palabra en una oración se percibe en el flujo del habla, en un verso tiende a resaltarse); -

entonación-sonido: 1) entre métrica y ritmo; 2) entre metro y sintaxis.

En el libro de E. Etkind "The Matter of Verse" hay muchos ejemplos interesantes que convencen de la validez de estas disposiciones. Aquí está uno de ellos. Para demostrar la existencia del primer conflicto "una palabra en el habla - una palabra en verso", tomamos un poema de ocho líneas de M. Tsvetaeva, escrito en julio de 1918. Su texto muestra que los pronombres en prosa son una categoría léxica insignificante, y en contextos poéticos reciben nuevos matices de significado y pasan a primer plano:

Soy una página para tu pluma.

Aceptaré todo. Soy una página blanca.

Yo soy el guardián de tu bien:

Lo devolveré y lo devolveré cien veces más.

Soy un pueblo, una tierra negra.

Eres un rayo y una lluvia de humedad para mí.

Tú eres Señor y Maestro, y yo soy

Chernozem y papel blanco.

El núcleo compositivo de este poema son los pronombres de primera y segunda persona. En la estrofa 1 se describe su oposición: Yo - tuyo (dos veces en los versículos 1 y 3); en la segunda estrofa alcanza plena claridad: yo - tú, tú - yo. Tú estás al principio del verso, yo estoy al final antes de la pausa con un cambio brusco.

El contraste “blanco” y “negro” (papel - tierra) refleja metáforas cercanas y al mismo tiempo opuestas entre sí: una mujer enamorada - una página de papel blanco; capta el pensamiento de quien es Maestro y Señor para ella (pasividad de la reflexión), y en la segunda metáfora, la actividad de la creatividad. “El yo de una mujer combina el blanco y el negro, opuestos que se materializan en géneros gramaticales:

I - página (f)

yo soy el guardián (m)

Soy un pueblo, tierra negra (f)

Soy tierra negra (m)

Lo mismo ocurre con el segundo pronombre, y combina contrastes materializados en género gramatical:

Eres mi rayo y agua de lluvia.

Encontraremos una lista de palabras cercanas y al mismo tiempo opuestas en palabras tan cercanas, yuxtapuestas entre sí, como verbos: Te traeré de regreso y en el regreso, y sustantivos: Señor y Maestro.

Entonces yo soy tú. ¿Pero quién se esconde detrás de ambos pronombres? Mujer y Hombre - ¿en general? Verdadero M.I. ¿Tsvetáeva y su amante? ¿El poeta y el mundo? ¿El hombre y Dios? ¿Alma y cuerpo? Cada una de nuestras respuestas es justa; Pero también es importante la indeterminación del poema, que, gracias a la polisemia de los pronombres, puede interpretarse de diferentes maneras, es decir, tiene múltiples capas semánticas”74.

Todos los elementos materiales (palabras, oraciones, estrofas) se semantizan más o menos, convirtiéndose en elementos de contenido: “Unidad de contenido y forma: ¿con qué frecuencia usamos esta fórmula, que suena como un hechizo, la usamos sin pensar en su realidad? ¡significado! Mientras tanto, en relación con la poesía, esta unidad es especialmente importante. En poesía, todo, sin excepción, resulta contenido: cada elemento de forma, incluso el más insignificante, construye significado, lo expresa: el tamaño, la ubicación y la naturaleza de la rima, la proporción entre frase y verso, la proporción entre vocales y consonantes, la longitud de palabras y oraciones, y mucho más... "- señala E. Etkind75.

La relación “contenido-forma” en la poesía no cambia, pero cambia de un sistema artístico a otro. En la poesía clasicista, el significado unidimensional fue lo primero, las asociaciones eran obligatorias e inequívocas (Parnassus, Musa), el estilo fue neutralizado por la ley de unidad de estilo. En la poesía romántica, el significado se profundiza, la palabra pierde su unicidad semántica y aparecen diferentes estilos.

E. Etkind se opone a la separación artificial de contenido y forma en la poesía: “No hay contenido fuera de la forma, porque cada elemento de la forma, por pequeño o externo que sea, construye el contenido de la obra; No hay forma sin contenido, porque cada elemento de la forma, por vacío que sea, está cargado de una idea.”1

Otra pregunta importante: ¿por dónde empezar el análisis, por el contenido o por la forma? La respuesta es sencilla: no supone una diferencia significativa. Todo depende de la naturaleza del trabajo y de los objetivos específicos de la investigación. No es en absoluto necesario comenzar el estudio por el contenido, guiándose únicamente por el pensamiento de que el contenido determina la forma. La tarea principal es captar la transición de estas dos categorías entre sí, su interdependencia.

El artista crea una obra en la que el contenido y la forma son dos caras de un todo único. Trabajar la forma es al mismo tiempo trabajar el contenido, y viceversa. En el artículo “¿Cómo hacer poesía?” V. Mayakovsky habló sobre cómo trabajó en un poema dedicado a S. Yesenin. El contenido de este poema nació en el proceso mismo de creación de la forma, en el proceso de la materia rítmica y verbal del verso:

Te fuiste ra-ra-ra a otro mundo...

Te has ido a otro mundo...

Te has ido, Seryozha, a otro mundo... - esta línea es falsa.

Te has ido irrevocablemente a otro mundo, a menos que alguien muera en un momento decisivo. Te has ido, Yesenin, a otro mundo; esto es demasiado serio.

Te has ido, como dicen, a otro mundo: el diseño final.

“La última línea es correcta, “como dicen”, sin ser una burla directa, reduce sutilmente el patetismo del verso y al mismo tiempo elimina todas las sospechas sobre la fe del autor en todo el más allá.

Teoría de Dmteratzra

ella”, señala V. Mayakovsky76. Conclusión: por un lado, estamos hablando de trabajar la forma del verso, de elegir el ritmo, la palabra, la expresión. Pero Mayakovsky también está trabajando en el contenido. No sólo selecciona el tamaño, sino que se esfuerza por hacer que la línea sea “sublime”, y esta es una categoría semántica, no formal. Reemplaza palabras en una línea no sólo para expresar con mayor precisión o claridad un pensamiento preparado previamente, sino también para crear ese pensamiento. Al cambiar la forma (tamaño, palabra), Mayakovsky cambia el contenido de la línea (en última instancia, el poema en su conjunto).

Este ejemplo de trabajo en un poema demuestra la ley básica de la creatividad: trabajar en la forma es al mismo tiempo trabajar en el contenido, y viceversa. El poeta no crea ni puede crear forma y contenido por separado. Crea una obra en la que el contenido y la forma son dos caras de un todo único.

¿Cómo nace un poema? Fet notó que su trabajo nació de una simple rima, "hinchándose" a su alrededor. En una de sus cartas escribió: “Toda la imagen que aparece en el caleidoscopio creativo depende de accidentes esquivos, cuyo resultado es el éxito o el fracaso”. Se puede dar un ejemplo para confirmar la exactitud de este reconocimiento. Un excelente conocedor de la obra de Pushkin S.M. Bondi contó la extraña historia del nacimiento de la conocida línea Pushkin:

La oscuridad de la noche yace en las colinas de Georgia... Pushkin escribió originalmente esto:

Todo está tranquilo. La sombra de la noche ha caído sobre el Cáucaso...

Luego, como se desprende claramente del borrador del manuscrito, el poeta tachó las palabras “sombra de la noche” y escribió sobre ellas las palabras “se acerca la noche”, dejando la palabra “acostarse” sin ningún cambio. Como podemos entender esto? S. Bondi demuestra que en el proceso creativo intervino un factor aleatorio: el poeta escribió con letra fluida la palabra “acostarse”, y en la letra “e” su parte redondeada, el “bucle”, no funcionó. La palabra "acostarse" se parecía a la palabra "niebla". Y esta razón extraña y aleatoria llevó al poeta a idear una versión diferente del verso:

Todo está tranquilo. La oscuridad de la noche llega al Cáucaso...

Estas frases tan diferentes encarnaban diferentes visiones de la naturaleza. La palabra “niebla”, que surgió al azar, pudo actuar como una forma del proceso creativo, una forma del pensamiento poético de Pushkin. Este caso particular revela la ley general de la creatividad: el contenido no se materializa simplemente en la forma; nace en ella y sólo puede nacer en ella.

Crear una forma que coincida con el contenido de una obra literaria es un proceso complejo. Requiere un alto grado de habilidad. No es de extrañar que L.N. Tolstoi escribió: “¡Esta preocupación por la perfección de la forma es algo terrible! No es de extrañar que ella. Pero no en vano el contenido es bueno. Si Gogol hubiera escrito su comedia (“El inspector general”) de manera cruda y débil, ni siquiera un millón de los que la leen ahora la habrían leído”.77 Si el contenido de la obra es "malvado" y su forma artística es impecable, entonces se produce una especie de estetización del mal y del vicio, como, por ejemplo, en la poesía de Baudelaire ("Las flores del mal"), o en P. La novela "Perfume" de Suskind.

El problema de la integridad de una obra de arte fue considerado por G.A. Gukovsky: “Una obra de arte ideológicamente valiosa no incluye nada superfluo, es decir, nada que no sea necesario para expresar su contenido, ideas, nada, ni siquiera una sola palabra, ni un solo sonido. Cada elemento de la obra significa, y sólo para significar, existe en el mundo... Los elementos de la obra en su conjunto no constituyen una suma aritmética, sino un sistema orgánico, constituyen la unidad de su significado. .. Y comprender este significado... comprender la idea, el trabajo del significado, ignorando algunos de los componentes de este significado, es imposible”78.

La principal "regla" para analizar una obra literaria es una actitud cuidadosa hacia la integridad artística, identificando el contenido de su forma. Una obra literaria adquiere un gran significado social sólo cuando es artística en su forma, es decir, corresponde al contenido expresado en ella.

Forma y contenido artístico.

La imagen como unidad de contenido y forma.

La imagen como unidad de lo emocional y lo racional (sentimientos y razón)

Cualquier artista afirma sus obras con una determinada actitud ante la vida. La pregunta planteada afirmaba una cierta idea. Cada obra contiene un determinado pensamiento, un principio racional. Comienzo racional - racionalmente - justificado, experiencia emocional y mental, excitación emocional (alegría, tristeza).

En el arte, una idea es, ante todo, una idea artística; primero nos evoca un cierto sentimiento, y sobre esta base despiertan un pensamiento, sólo regocijándonos, indignándonos y experimentando comenzamos a razonar. Esta característica de la influencia del arte se explica por el hecho de que en una imagen artística lo racional siempre está indisolublemente ligado a las emociones. La percepción sensorial del mundo es característica únicamente del hombre. La posibilidad misma del pensamiento artístico está relacionada con esto, solo gracias a esta obra de arte que despierta la actitud emocional, la idea contenida en ella excita nuestro pensamiento.

Espectador – imagen – emoción – pensamiento.

Artista – pensamiento – emoción – imagen.

Esta es una de las leyes más importantes de la creatividad y una condición necesaria para el arte de una obra. El contenido y la forma son categorías estéticas que expresan la relación en el arte entre el principio ideológico y figurativo espiritual interno y su encarnación directa externa. En una obra de arte, el contenido y la forma están tan cerca que separar la forma del contenido significa destruir el contenido, y separar el contenido de la forma significa destruir la forma. La relación entre contenido y forma se caracteriza por dos puntos.

1. La forma de una obra de arte surge del contenido y está destinada a servirle de expresión.

Una imagen artística sirve para indicar la conexión entre la realidad y el arte y es producto del pensamiento del artista. Una auténtica obra de arte siempre se distingue por una gran profundidad de pensamiento, la importancia del problema planteado y una forma interesante.

En la imagen artística, como medio importante para reflejar la realidad, se concentran los criterios (signos) de veracidad y realismo, que conectan el mundo real y el mundo del arte. Una imagen artística nos da, por un lado, una reproducción de la realidad de pensamientos, sentimientos, acciones y, por otro lado, lo hace con la ayuda de medios caracterizados por la convención. La veracidad y la convencionalidad conviven en la imagen. Por lo tanto, ¿puede existir el arte en general y la coreografía en particular si todo se generaliza condicionalmente en él? Debido al pensamiento y la percepción artísticos inherentes a una persona, que se basa en la percepción sensorial del mundo. La principal característica de este pensamiento Asociatividad.

Asociación– (del latín conexión) una conexión psicológica que surge entre dos o más formaciones psicológicas, percepciones, ideas, ideas. El mecanismo de asociación se reduce al surgimiento de una conexión entre una sensación y otras.

Estas conexiones asociativas se basan en ideas ya establecidas sobre objetos y fenómenos; son siempre subjetivas sobre ideas ya establecidas sobre fenómenos. De ahí la dificultad de percibir lo desconocido.

Un coreógrafo debe poder:

- combinar percepciones subjetivas del mundo en una imagen concreta específica comprensible para todos.

- tener un tipo de pensamiento figurativo-metafórico y desarrollarlo en el espectador.

Metáfora – (de la transferencia de lengua griega) es una técnica artística basada en el acercamiento figurativo, la similitud, de los fenómenos de la realidad. El significado figurado de un objeto, fenómeno, sensación de otro con la ayuda de la conciencia de sus diferencias.

- un coreógrafo necesita tener un tipo de pensamiento figurativo-metafórico, es decir, cultivar en sí mismo la correspondiente búsqueda de contenido de la realidad, crear imágenes metafóricas en una obra.

Transferir las características de un objeto a otro crea una nueva idea, se crea una imagen metafórica.

Miro, veo, pienso y pienso con la ayuda de asociaciones en la conexión de cadenas: empiezo a comprender el contenido incrustado en la obra, a descifrar su imagen, metáfora.

Las imágenes colapsan y desaparecen:

- el artista copia un hecho de la realidad (naturalismo);

- formalismo, cuando el artista evade por completo los hechos pictóricos de la realidad, cuando el artista no evalúa el contenido.

Contenido artístico

Contenido artístico- Se trata de una actitud ideológica y emocional sinceramente expresada del artista hacia la realidad en su significado estético, que provoca un impacto positivo en los sentimientos y la mente de una persona, contribuyendo a su desarrollo espiritual.

1. Tema (de la palabra griega sujeto) es la gama más amplia de cuestiones, problemas de los fenómenos de la vida que se describen en la obra. El tema responde a la pregunta: ¿de qué trata la obra?

Tema de lucha;

Bien y mal;

Histórico;

Naturaleza;

Cuarto de los niños.

2. Idea (de la visión griega, imagen, significado holístico de la obra terminada). Esa idea principal que el autor quería inspirar, transmitir al espectador y responde a la pregunta ¿QUÉ QUERÍA DECIR EL AUTOR AL ESPECTADOR?

Para formular correctamente la idea, es necesario plantear la pregunta en la dramaturgia argumental: "Quiero decirle al espectador que...", en la dramaturgia sin trama, "Quiero mostrarle al espectador una imagen...".

3. Trama(del sujeto francés) la conexión de los acontecimientos en la trama revela el movimiento de los personajes y los sentimientos de una acción específica y la relación de los personajes.

Forma de arte Es una expresión externa de contenido artístico, una combinación armoniosa de partes y el todo, elementos y estructura.

Armonía(del griego consonancia, acuerdo) categoría estética que denota un alto nivel de diversidad ordenada.

El elemento de forma es la composición (del latín composición, conexión).

Principios, es decir las reglas para construir una forma son la relación y organización de las partes de una obra, la subordinación de las partes al todo y la expresión del todo a través de las partes (una casa hecha de cubos La forma encarna la conexión en un). imagen característica con la ayuda de ciertos medios visuales y expresivos que tiene cada tipo de arte.

Las principales etapas de la formación de una imagen artística son:

1. Imagen, idea- aquí la percepción del artista se produce cuando se le presenta la obra futura en sus principales características. El curso posterior del proceso creativo depende en gran medida de la idea.

2. Imagen de la obra– esta es la concreción de una imagen, un plan en el material. La obra adquiere existencia real.

3. Imagen de percepción- esta es la percepción de una obra de arte por parte del espectador, cuyo objetivo principal es comprender y revelar el contenido ideológico de la obra. La percepción es una co-creación entre el espectador y el artista.

Una imagen artística es el principal resultado que puede emocionar profundamente a una persona y al mismo tiempo tener para ella un enorme significado educativo.

La imagen artística está indicada por la síntesis de los siguientes componentes:

1. Música;

2. Composición;

3. Diseño.

Sin imagen no hay danza; si no surge una imagen artística, lo único que queda es sólo un conjunto de movimientos.

Comenzaron a hablar y discutir sobre la forma y el contenido de una obra de crítica literaria. Pero hoy la doctrina de la forma y el contenido de una obra es una de las claves del sistema. En la jurisprudencia, esta teoría permite distinguir entre elementos protegidos y desprotegidos de una obra.

La principal tesis de la doctrina de la forma y el contenido de una obra como objeto de derecho de autor es la siguiente:

Los derechos de autor protegen la forma de una obra, pero no su contenido.

¿Cuál es la forma y contenido de la obra?

• en un artículo científico, el contenido incluirá teorías, conceptos, hipótesis, hechos que forman la base del argumento;
• en un proyecto arquitectónico, el contenido puede incluir la tarea inicialmente planteada (área, número de pisos, finalidad del edificio), el estilo elegido por el arquitecto (barroco, clasicismo, etc.), el significado semántico y simbólico del objeto ( por ejemplo, un monumento);
• En fotografía, el contenido es el tema de la fotografía, el estado de ánimo que el fotógrafo quería transmitir y las ideas que quería transmitir al público.

Las mismas ideas, los mismos conceptos, métodos y métodos pueden formar la base de toda una serie de obras e incluso obras de toda una época. El ejemplo más claro son los relatos bíblicos en las obras del Renacimiento. El contenido no tiene límites claros; se ubica en la “profundidad” de la obra. El contenido de la obra depende de la percepción subjetiva del lector o espectador. El contenido responde a la pregunta: “ Qué¿Quiso decir el autor?

Forma externa de la obra.- Este es el idioma en el que está escrita la obra. En una obra literaria, la forma externa es el texto mismo, en una obra visual es la imagen misma. La forma externa se puede copiar sin ningún esfuerzo intelectual, incl. sin intervención humana, por medios técnicos.

forma interior- este es un sistema de imágenes, medios artísticos con cuya ayuda se escribe una obra. En cierto sentido, la forma interna es el vínculo entre la forma externa y el contenido, pero la forma interna está protegida por derechos de autor. Es imposible copiar la forma interna sin utilizar la externa, sin aplicar trabajo intelectual.

Ningún hombre es una isla entera en sí misma; cada hombre es un pedazo del continente, una parte del continente; si un terrón arrastrado por el mar, Europa es la menor, tanto como si lo fuera un promontorio, como si lo fuera un Mannor de tus amigos o tuyo propio; la muerte de cualquier hombre me disminuye, porque estoy involucrado en la Humanidad; Y por lo tanto nunca envíes a saber por quién doblan las campanas; Peaje por ellos. Juan Donne

No hay persona que sea como una Isla, en sí misma: cada persona es parte del Continente, parte de la Tierra; y si una Ola arrastra el Acantilado costero hacia el mar, Europa se hará más pequeña, y también si arrastra el borde del Cabo o destruye tu Castillo o tu Amigo; la muerte de cada Hombre también me disminuye a mí, porque soy uno con toda la Humanidad y, por lo tanto, nunca preguntes por quién doblan las Campanas: doblan por Ti. Juan Donne

La forma exterior de las obras es completamente diferente; no encontraremos una sola palabra repetida, porque... Los extractos están escritos en diferentes idiomas. Sin embargo, la forma interna y el contenido de la obra son los mismos. El traductor se esfuerza por preservar la forma interna de la obra y transmitir el contenido de la obra a través de ella. El contenido será la idea que John Donne quiso transmitir al lector con estas palabras.

¿Cuál es la forma de expresión de una obra?

• escrito
• oral
• arte fino
• volumétrico-espacial
• audiovisual (grabación de sonido y vídeo)

La importancia de la forma de expresión de una obra es que los derechos de autor surgen desde el momento en que la obra se expresa por primera vez en cualquier forma objetiva. Puedes leer más sobre esto en “Forma y contenido de una obra de crítica literaria”.
2. Doctor en Derecho, Profesor E.P. Gavrilov "Los derechos de autor y el contenido de una obra".

Hoy estamos hablando del tema: "Elementos tradicionales de composición". Pero primero debemos recordar qué es “composición”. Este término lo encontramos por primera vez en la escuela. Pero todo fluye, todo cambia, poco a poco hasta el conocimiento más fuerte se borra. Por lo tanto, leemos, retomamos lo viejo y llenamos los vacíos que faltan.

Composición en la literatura

¿Qué es la composición? En primer lugar, buscamos ayuda en un diccionario explicativo y descubrimos que, traducido literalmente del latín, este término significa "composición, composición". No hace falta decir que sin “composición”, es decir, sin “composición”, no es posible ninguna obra de arte (a continuación se muestran ejemplos) ni ningún texto en su conjunto. De ello se deduce que la composición en la literatura es un cierto orden de disposición de las partes de una obra de arte. Además, se trata de determinadas formas y métodos de representación artística que tienen una conexión directa con el contenido del texto.

Elementos básicos de composición.

Cuando abrimos un libro, lo primero que esperamos y esperamos es una narrativa hermosa y entretenida que nos sorprenda o nos mantenga en suspenso, para luego no soltarnos durante mucho tiempo, obligándonos a volver mentalmente a lo que leímos. una y otra vez. En este sentido, un escritor es un verdadero artista que ante todo muestra y no cuenta. Evita textos directos como: "Ahora te lo diré". Al contrario, su presencia es invisible, discreta. Pero, ¿qué necesitas saber y poder hacer para lograr tal dominio?

Los elementos compositivos son la paleta en la que el artista, maestro de la palabra, mezcla sus colores para luego crear una trama luminosa y colorida. Estos incluyen: monólogo, diálogo, descripción, narración, sistema de imágenes, digresión del autor, géneros complementarios, trama, trama. A continuación, sobre cada uno de ellos con más detalle.

discurso monólogo

Dependiendo de cuántas personas o personajes de una obra de arte participen en el habla (una, dos o más), se distinguen monólogo, diálogo y polílogo. Este último es un tipo de diálogo, por lo que no nos detendremos en ello. Consideremos sólo los dos primeros.

Un monólogo es un elemento de composición que consiste en el uso por parte del autor del discurso de un personaje, que no espera ni recibe respuesta. Por regla general, en una obra dramática se dirige al público o a uno mismo.

Dependiendo de la función en el texto, se distinguen los siguientes tipos de monólogo: técnico: la descripción que hace el héroe de los eventos que han ocurrido o que están ocurriendo actualmente; lírico: el héroe transmite sus fuertes experiencias emocionales; Monólogo-aceptación: los reflejos internos de un personaje que se enfrenta a una elección difícil.

Los siguientes tipos se distinguen por la forma: palabra del autor: la dirección del autor a los lectores, la mayoría de las veces a través de uno u otro personaje; corriente de conciencia: el flujo libre de los pensamientos del héroe tal como son, sin una lógica obvia y sin adherirse a las reglas de la construcción literaria del habla; dialéctica del razonamiento: la presentación por parte del héroe de todos los pros y los contras; solo diálogo: la dirección mental de un personaje a otro personaje; aparte - en dramaturgia, algunas palabras a un lado que caracterizan el estado actual del héroe; Las estrofas son también en la dramaturgia las reflexiones líricas de un personaje.

Discurso de diálogo

El diálogo es otro elemento de la composición, una conversación entre dos o más personajes. Normalmente, el discurso dialógico es un medio ideal para transmitir el choque de dos puntos de vista opuestos. También ayuda a crear una imagen, revelar personalidad y carácter.

Aquí me gustaría hablar del llamado diálogo de preguntas, que consiste en una conversación compuesta exclusivamente de preguntas, y la respuesta de uno de los personajes es a la vez pregunta y respuesta al comentario anterior. (Los ejemplos se muestran a continuación) Khanmagomedov Aidyn Asadullaevich "Mountain Woman" es una clara confirmación de esto.

Descripción

¿Qué es una persona? Este es un carácter especial, una individualidad, una apariencia única, y el entorno en el que nació, se crió y existe en este momento de la vida, y su hogar, y las cosas de las que se rodea y las personas distantes. y cerca, y el entorno su naturaleza... La lista sigue y sigue. Por lo tanto, al crear una imagen en una obra literaria, un escritor debe mirar a su héroe desde todos los ángulos posibles y describirlo sin perderse un solo detalle, más aún: crear nuevos "tonos" que ni siquiera se pueden imaginar. En la literatura se distinguen los siguientes tipos de descripciones artísticas: retrato, interior, paisaje.

Retrato

Es uno de los elementos compositivos más importantes de la literatura. Describe no sólo la apariencia externa del héroe, sino también su mundo interior: el llamado retrato psicológico. El lugar que ocupa un retrato en una obra de arte también varía. Un libro puede comenzar con él o, por el contrario, terminar con él (A.P. Chéjov, “Ionych”). tal vez inmediatamente después de que el personaje cometa algún acto (Lermontov, "Héroe de nuestro tiempo"). Además, el autor puede dibujar un personaje de una sola vez, de forma monolítica (Raskolnikov en Crimen y castigo, Príncipe Andrés en Guerra y paz), y en otra ocasión esparcir los rasgos por todo el texto (Guerra y paz, Natasha Rostova). Básicamente, el propio escritor toma el pincel, pero a veces le da este derecho a uno de los personajes, por ejemplo, Maxim Maksimych en la novela "Un héroe de nuestro tiempo", para que pueda describir a Pechorin con la mayor precisión posible. El retrato se puede pintar de forma irónica, satírica (Napoleón en Guerra y paz) y “ceremoniosamente”. A veces, sólo el rostro, un determinado detalle o todo el cuerpo (figura, modales, gestos, ropa (Oblomov)) caen bajo la “lupa” del autor.

Descripción interior

El interior es un elemento de la composición de la novela, que permite al autor crear una descripción de la casa del héroe. No es menos valioso que un retrato, ya que la descripción del tipo de habitación, el mobiliario, la atmósfera de la casa, todo esto juega un papel invaluable para transmitir las características del personaje, para comprender la profundidad total de la imagen creada. El interior revela tanto una estrecha conexión con la parte a través de la cual se conoce el todo, como con el individuo a través del cual se ve el plural. Así, por ejemplo, Dostoievski en la novela "El idiota" "colgó" el cuadro de Holbein "Cristo muerto" en la lúgubre casa de Rogozhin para llamar una vez más la atención sobre la lucha irreconciliable de la verdadera fe con las pasiones, con la incredulidad en el alma de Rogozhin.

Paisaje - descripción de la naturaleza.

Como escribió Fyodor Tyutchev, la naturaleza no es lo que imaginamos, no carece de alma. Al contrario, en él se esconden muchas cosas: alma, libertad, amor y lenguaje. Lo mismo puede decirse del paisaje en una obra literaria. El autor, con la ayuda de un elemento compositivo como el paisaje, representa no solo la naturaleza, el terreno, la ciudad, la arquitectura, sino que también revela el estado del personaje y contrasta la naturalidad de la naturaleza con las creencias humanas convencionales, actuando como una especie de de símbolo.

Recuerde la descripción del roble durante el viaje del príncipe Andrés a la casa de los Rostov en la novela Guerra y paz. Cómo era (el roble) al comienzo de su viaje: un viejo, lúgubre y "monstruo desdeñoso" entre los abedules, sonriendo al mundo y a la primavera. Pero en el segundo encuentro, inesperadamente floreció y se renovó, a pesar de la dura corteza centenaria. Todavía se sometió a la primavera y a la vida. El roble en este episodio no es solo un paisaje, una descripción de la naturaleza que cobra vida después de un largo invierno, sino también un símbolo de los cambios que se han producido en el alma del príncipe, una nueva etapa en su vida, que logró “ romper” el deseo que estaba casi arraigado en él de ser un paria de la vida hasta el final de sus días.

Narración

A diferencia de una descripción, que es estática, en ella no sucede nada, nada cambia y, en general, responde a la pregunta “¿qué?”, una narración incluye acción, transmite la “secuencia de eventos que ocurren” y la pregunta clave para ella es “ qué pasó ?. Hablando en sentido figurado, la narración como elemento de la composición de una obra de arte se puede presentar en forma de presentación de diapositivas: un cambio rápido de imágenes que ilustran la trama.

Sistema de imagen

Así como cada persona tiene su propia red de líneas en la punta de sus dedos, formando un patrón único, cada obra tiene su propio sistema único de imágenes. Esto puede incluir la imagen del autor, si la hubiera, la imagen del narrador, personajes principales, héroes de las antípodas, personajes secundarios, etc. Sus relaciones se construyen en función de las ideas y objetivos del autor.

digresión del autor

O una digresión lírica es el llamado elemento extra-trama de la composición, con la ayuda del cual la personalidad del autor parece irrumpir en la trama, interrumpiendo así el curso directo de la narración de la trama. ¿Para qué sirve? En primer lugar, establecer un contacto emocional especial entre el autor y el lector. Aquí el escritor ya no actúa como un narrador, sino que abre su alma, plantea cuestiones profundamente personales, discute temas morales, estéticos y filosóficos y comparte recuerdos de su propia vida. Así, el lector logra tomar un respiro ante el fluir de los acontecimientos posteriores, detenerse y profundizar en la idea de la obra, y pensar en las preguntas que se le plantean.

Géneros de complementos

Este es otro elemento compositivo importante, que no sólo es una parte necesaria de la trama, sino que también sirve para una revelación más voluminosa y profunda de la personalidad del héroe, ayuda a comprender el motivo de su particular elección de vida, su mundo interior, etc. . Se puede insertar cualquier género de literatura. Por ejemplo, los cuentos son la llamada historia dentro de una historia (la novela “El héroe de nuestro tiempo”), poemas, cuentos, versos, canciones, fábulas, cartas, parábolas, diarios, refranes, refranes y muchos otros. Pueden ser composiciones propias o de otra persona.

Trama y trama

Estos dos conceptos a menudo se confunden o se cree erróneamente que son lo mismo. Pero conviene distinguirlos. La trama es, se podría decir, el esqueleto, la base del libro, en el que todas las partes están interconectadas y se suceden una tras otra en el orden necesario para la plena implementación del plan del autor, la divulgación de la idea. En otras palabras, los acontecimientos de la trama pueden tener lugar en diferentes períodos de tiempo. La trama tiene la misma base, pero en una forma más condensada, y además, la secuencia de los acontecimientos en su orden estrictamente cronológico. Por ejemplo, nacimiento, madurez, vejez, muerte: esta es la trama, luego la trama es la madurez, recuerdos de la infancia, la adolescencia, la juventud, digresiones líricas, vejez y muerte.

Composición del tema

La trama, al igual que la propia obra literaria, tiene sus propias etapas de desarrollo. En el centro de cualquier trama siempre hay un conflicto en torno al cual se desarrollan los acontecimientos principales.

El libro comienza con una exposición o prólogo, es decir, con una “explicación”, una descripción de la situación, el punto de partida desde el que empezó todo. Lo que sigue es la trama, se podría decir, un presagio de acontecimientos futuros. En esta etapa, el lector comienza a darse cuenta de que el conflicto futuro está a la vuelta de la esquina. Como regla general, es en esta parte donde se encuentran los personajes principales, que están destinados a pasar juntos, uno al lado del otro, las próximas pruebas.

Seguimos enumerando los elementos de la composición de la trama. La siguiente etapa es el desarrollo de la acción. Este suele ser el fragmento de texto más importante. Aquí el lector ya se convierte en un participante invisible de los acontecimientos, conoce a todos, siente lo que está pasando, pero sigue intrigado. Poco a poco, la fuerza centrífuga lo absorbe y, lentamente, inesperadamente para él, se encuentra en el centro mismo del remolino. Llega el clímax: la cima, cuando una verdadera tormenta de sentimientos y un mar de emociones cae sobre los personajes principales y sobre el propio lector. Y luego, cuando ya está claro que lo peor ha pasado y se puede respirar, el desenlace llama silenciosamente a la puerta. Lo analiza todo, explica cada detalle, coloca todas las cosas en los estantes, cada una en su lugar, y la tensión disminuye lentamente. El epílogo trae la línea final y describe brevemente la vida futura de los personajes principales y secundarios. Sin embargo, no todas las tramas tienen la misma estructura. Los elementos tradicionales de una composición de cuento de hadas son completamente diferentes.

Cuento de hadas

Un cuento de hadas es una mentira, pero tiene una pista. ¿Cual? Los elementos de la composición del cuento de hadas son radicalmente diferentes a los de sus “hermanos”, aunque al leerlos, de manera fácil y relajada, no se nota esto. Éste es el talento de un escritor o incluso de todo un pueblo. Como instruyó Alexander Sergeevich, simplemente es necesario leer cuentos de hadas, especialmente los populares, porque contienen todas las propiedades del idioma ruso.

Entonces, ¿qué son los elementos tradicionales de una composición de cuento de hadas? Las primeras palabras son un dicho que te pone en un estado de ánimo de cuento de hadas y promete muchos milagros. Por ejemplo: "Este cuento de hadas se contará desde la mañana hasta el almuerzo, después de comer pan tierno..." Cuando los oyentes se relajan, se sientan más cómodamente y están listos para seguir escuchando, ha llegado el momento del comienzo, el comienzo. Se presentan los personajes principales, el lugar y el momento de la acción, y se traza otra línea que divide el mundo en dos partes: real y mágica.

Luego viene el cuento de hadas en sí, en el que a menudo hay repeticiones para realzar la impresión y acercarse gradualmente al desenlace. Además, poemas, canciones, onomatopeyas de animales, diálogos: todos estos también son elementos integrales de la composición de un cuento de hadas. El cuento de hadas también tiene su propio final, que parece resumir todos los milagros, pero al mismo tiempo insinúa la infinidad del mundo mágico: "Viven, viven y hacen el bien".